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Hay tantos mapas como representaciones del mundo. Cuando en el siglo XVIII el pensamiento humano comenzó a concebir el territorio desde los dominios de la ciencia, la cartografía, en términos generales, dimensionó la Tierra en función de lo medible y cuantificable. La dividió. A partir de una serie de líneas trazó las fronteras que fragmentan la superficie y distinguen a un espacio del otro. Cuando observamos un atlas, por ejemplo, lo que solemos ver son esos planos gráficos. Y sí, la cartografía es ciencia, pero los mapas son dibujos.
La aparente oposición entre arte y ciencia ha limitado la visión del mundo. Si desde el siglo de las luces lo pensamos como un territorio dividido, la percepción dominante parece sustentarse en lo geopolítico. Pero otras formas de hacer y leer mapas son posibles. Atlas Mundial de Selecciones se inserta en este contexto: no sólo descompone una mirada oficial, sino también propone lecturas que se distancian de visiones políticas y nacionalistas.
Andrea García Cuevas
Serie IN-DEPENDENCIAS
En "Reflections of quiet things" (2014) de Leonor Serrano Rivas, el teatro y la representación por medio de la acción corporal se convierte en una forma de trazar espacios paralelos que reemplacen la vida cotidiana. La persona se transforma en protagonista de la acción dramática pero a su vez en escenografía, en un elemento más del entorno que habita diluyendo la frontera entre el cuerpo y la naturaleza, mimetizándose completamente con ella.
Fotografía de Javier Artero.
Damià emplea la realidad virtual para explorar los límites difusos entre obra de arte, exposición y documentación con una tecnología que abre además un camino muy interesante para la sostenibilidad de grandes intervenciones temporales y permanentes. Una exposición realizada en un espacio industrial deteriorado, ahora no accesible, pero que sigue siendo visitado como espacio de muestra de arte digital. De nuevo, experimentando con nuevos materiales y tecnologías en su proceso creativo, Damià amplía su paleta y ofrece nuevas perspectivas.
Links con información del proyecto:
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- Tormenta de Silencio en Vimeo 360º
- Tormenta de Silencio en Facebook 360º
Amparela Benlliure es doctorada en Comunicación Audiovisual y licenciada en Historia del Arte por la Universidad de València, España.
Consultora y agente cultural independiente, especializada en la gestión de proyectos artísticos contemporáneos y eventos culturales.
De 2002 a 2005 dirige la galería de arte AKKA en Valencia. De 2006 a 2010 trabaja como manager en la galería de arte contemporáneo La Nave, Valencia (España). De 2010 a 2014 se traslada a Londres donde colabora con galerías de arte contemporáneo: Open Gallery, Maddox Arts y Parasol Unit y gestiona varios proyectos de comisariado para el Institut d' estudis Baleàrics, IEB.
En 2012 funda Amparela Benlliure Art Consulting agencia dedicada a la consultoría de arte y gestión de proyectos culturales. Como consultora ha desarrollado su especialidad en el asesoramiento en ferias de arte y en la adquisición de obras de arte del mercado primario y secundario. Ha formado parte del equipo de consultores de PintaLondon, The Modern and Contemporary LatinoAmerican Art Show.
De 2016 a 2019, dirige las cuatro ediciones del evento cultural Abierto València, organizado por la Asociación de galerías de arte contemporáneo de la Comunidad Valenciana, LaVAC.
Desde 2019, desarrolla e imparte cursos de formación sobre el mercado del arte, en la Fundació General Col.lecció Martínez Guerricabeitia. Universitat de València. En 2020 codirige junto con Jorge Sebastián el Posgrado “Experto Universitario en Mercado y Gestión de Arte Contemporáneo” de la Universitat de València.
Es muy frecuente comprobar que una de las vocaciones del medio fotográfico es retratar o reflejar la realidad cotidiana de la sociedad del tiempo que le ha tocado vivir. Sin embargo, no es fácil encontrar ejemplos en los que este mismo ejercicio se plantee desde el ámbito de la pintura.
Uno de esos casos, es el de Alfonso Martín, quien desarrolla unos personales cuadernos de bitácora por medio de los dibujos realizados en su deambular diario. Obras que lleva recopilando desde hace ya unos cuantos años en conjuntos que va agrupando según su consideración. Son escenas cotidianas, sin trascendencia aparente, no buscadas, en las que el movimiento ha sido congelado por el artista por medio de sus rotuladores. Situaciones descubiertas en sus múltiples paseos por los límites de la ciudad, por los espacios de transición entre campo y urbe, por los polígonos industriales.
He de reconocer que siento una especial admiración por aquellos que encuentran en el movimiento el impulso creativo. Los beneficios de los paseos ya los publicitaron en su momento los peripatéticos o Machado, pero, recientemente, un estudio científico de la Ross School of Business de la Universidad de Michigan avala que el movimiento en general y el paseo en particular ayudan a que fluyan con mayor facilidad en nosotros las ideas. Nos llegan más y mejores. Estoy seguro de que Alfonso conoce sus beneficios y por ello los practica.
Cuando uno mira de cerca los dibujos sobre papel que el artista presenta en la Galería Adora Calvo de Madrid colige que está dotado de una tremenda habilidad para el dibujo y que, con una manifiesta soltura y espontaneidad del trazo, consigue sin embargo una importante cantidad de matices que aportan una atmósfera de misterio o de silencio, de tranquilidad inquietante a sus dibujos, con el valiosísimo apoyo de los frecuentes y magistrales claroscuros.
Pero siguiendo con el paralelismo que al principio del texto hemos establecido entre el complemento directo de la fotografía y su extrapolación a la pintura, creo interesante reseñar el encuadre, como un valor añadido del trabajo del artista. Esa acotación de la imagen que sólo maestros como un Bernard Plossu o un Elliot Erwitt pueden ejercer. En el caso de Alfonso, ese punto de vista personal que recorta la “convencional” visión general de una escena a un determinado marco, dotándola de un especial misterio o enigmático matiz.
¿Qué están haciendo los frecuentes personajes anónimos de sus dibujos, los solitarios transeúntes de lugares sin nombre, frecuentemente acompañados de perros?
¿Porqué esa toma concreta, parcial de los edificios, contenedores de vidas indeterminadas? ¿Porqué muy pocas veces la aparición de hogares concretos?
¿Porqué esa especial predilección por coches, motos, bicicletas, patines, aviones, helicópteros y camiones?
¿Porqué ese toque exótico de las palmeras y el surf?
¿Qué nos quiere decir? No puedo evitar hacerme esta pregunta cuando recorro sus dibujos e imagino sus paseos a través de las calles con la sola compañía de unos rotuladores y sus papeles. No nos lo pone fácil, porque otros artistas, de similar factura, como es el caso de Marcel Van Eeden, nos ofrecen una velada narrativa, pero Alfonso parece ser mucho más hermético. Su forma de manifestarse plásticamente parece coincidir con una postura ante el medio artístico también similar y que, por cierto, hace más valiosa y plausible también la apuesta de la galerista.
Esta postura del artista, un tanto outsider, a la hora de entender y ejercer la profesión, no hace sino contribuir a reforzar la idea de que su trabajo manual es de todos modos consecuente con su forma de entender la vida. Estamos frente a un todo: el hombre y su obra, estamos frente a la honestidad, esa palabra tan pronunciada pero tan poco ejercida habitualmente, que permite al artista vivir un tanto al margen de los lobbies, en busca de un encuentro sincero con él mismo.
Emilio Navarro. Febrero 2021
Taller y editor de obra gráfica contemporánea.
Suicidio de Pepe.
Óleo sobre madera. Díptico de 120x60 cm
En la Galeria Antoni Pinyol conocimos a Mireia Cifuentes a raíz de su paso por el 24 PremiTelax, del cual consiguió un accesito gracias a sus pinturas, que se alzan con tal fuerza que nos remiten a las figuras votivas de las Venus en la antigüedad; éstas son símbolo no sólo de lo femenino sino de todo lo que tiene que ver con la vida, su nacimiento y su muerte, son mucho más que mujeres desprovistas de rostro, son personificaciones del mismo ciclo vital.
Uno de los signos más antiguos de nuestra especie se combina en la obra de Cifuentes con una técnica innovadora con la que consigue diluir la figura humana de tal manera que ésta entra en nuestra mente, no cómo una masa sólida y estática, sino que fluye, tal que un río que se expande hacia nuevos significados, abriéndonos las puertas a la percepción y compartiendo con nosotros las diferentes realidades de la existencia, simbolizadas por la parte frontal de la obra y su reverso oculto.
En lo que a sus paisajes se refiere, éstos no dejan de ser otra manera de acercarse a las preguntas sobre el paso del tiempo y, tal y cómo hacía con la figura humana, dota de movimiento a éstas visiones aparentemente estáticas y desérticas, son tierras muertas y estériles por las que nuestra mente viaja y trata de responder las preguntas vitales que sutilmente nos sugieren.
La obra de Mieria Cifuentes cumple con dos dualidades que la hacen sobresalir, pues ésta es universal a la vez que personal y atemporal a la vez que innovadora, pues consigue transmitirnos con un lenguaje contemporáneo un mensaje que afecta a toda la humanidad desde sus inicios, pero desde un punto de vista propio, basado en la experiencia íntima de la artista.
Serie UNFINISHED LANDSCAPE
ATLAS MUNDIAL DE SELECCIONESde Juan José Martín Andrés. Hasta el 1 de julio de 2017.
La aparente oposición entre arte y ciencia ha limitado la visión del mundo. Si desde el siglo de las luces lo pensamos como un territorio dividido, la percepción dominante parece sustentarse en lo geopolítico. Pero otras formas de hacer y leer mapas son posibles. Atlas Mundial de Selecciones se inserta en este contexto: no sólo descompone una mirada oficial, sino también propone lecturas que se distancian de visiones políticas y nacionalistas.
La exposición es resultado de un complejo proceso en el que sus diferentes etapas de producción ponen en tensión la idea de un mapa inequívoco, para revelar la hegemonía de la cartografía. A partir de antiguos atlas comprados en librerías de viejo en la Ciudad de México, el artista seleccionó una serie de mapas que datan de diferentes épocas y momentos históricos del siglo XX y que, vistos desde el presente, dan cuenta de la transformación del territorio.
Con una acción sutil aunque contundente, el artista elimina los espacios correspondientes a los países en un gesto por llevar el territorio-nación al terreno de la supresión. La memoria de quien lea, sin embargo, llenará el vacío con el nombre de un país, un estado o una región que sean reconocibles. ¿Es posible pensar o experimentar el espacio sin divisiones políticas? En tiempos de políticas populistas y nacionalismo, donde la paradoja de un mundo globalizado dicta el cierre de fronteras, el desplazamiento humano queda relegado a un segundo plano.
Borrar los espacios geopolíticos es un intento del artista por desdibujar la máquina de guerra, aquella que Deleuze y Guattari identificaron como el mecanismo de poder para dividir y sumarse territorios. Así, retomar mapas viejos permite analizar, a distancia, los cambios de una imagen o representación política del mundo que se ha deconstruido constantemente desde la subjetividad del vencedor, aunque fundamentado en la aparente veracidad de la cartografía.
Como en sus anteriores trabajos gráficos, Martín Andrés retoma material impreso ya existente en una suerte de ejercicio que, más allá del reciclaje material, busca analizar el modelo de pensamiento que dio origen a la representación original. En ese contexto, las fronteras marcadas sobre un fondo negro no existen como tal. No hay divisiones políticas, sino una superficie con líneas de colores que no distinguen naciones. Una referencia al dibujo con la que Juan José Martín Andrés nos recuerda que existen otras tantas formas de trazar y observar al mundo, al menos desde el arte.
Instalación con 20.000 caramelos realizados por la artista, de resina de poliéster y pinchos de alambrada dentro, en malla de 7 x 7 m. trenzada a mano.
En febrero de 2016 el Pentágono se vio obligado a hacer públicas 198 imágenes de maltratos a prisioneros de Afganistán e Irak. La ACLU, organización defensora de libertades civiles, llevaba demandando ante los tribunales su publicación desde 2004 y tras 12 años de litigio conseguió que este dossier de imágenes se hiciera público.
Frente a las imágenes que más se ocultan, aquellas que más se exhiben. La red social Instagram se revela como el mejor repositorio de imágenes para contraponer a las fotografías censuradas. #diptych #ACLU #instgrm rastrea en los perfiles personales de la red social para encontrar imágenes formalmente idénticas a las dadas a conocer por el Pentágono.
#diptych #ACLU #instgrm
Tete Álvarez, 2016
14 dípticos 42 x 27 cm. c/u
Impresión tintas sobre papel Hanemulle en marco de madera con bisagra
Vista de la instalación en la galería Magda Bellotti
A través de una puesta en escena muy cuidada, sus imágenes nos asoman a lujosos espacios interiores en los que sobresale un elemento por encima del resto: el cuerpo humano reducido a volumen, forma y luz.
Esta página web se ha realizado con la colaboración de la Secretaría de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte