El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
Te necesitamos para fortalecer la comunidad artística profesional del arte contemporáneo en España.
Leer másFechas: del 21 de septiembre al 28 de octubre de 2021
Total horas curso: 15 horas
-5 sesiones teóricas de 2 horas. Días: 21 de septiembre, 28 de septiembre, 5 de octubre, 13 de octubre, 19 de octubre.
-5 sesiones prácticas de 1 hora. Días: 30 de septiembre, 7 de octubre, 14 de octubre, 21 de octubre, 28 de octubre.
Precio curso: 70 € socios IAC / 85€ no socios IAC
* La celebración del curso estará supeditada a la inscripción de un número mínimo de alumnos.
MÁS INFORMACIÓN E INSCRIPCIONES: iacformacion@iac.org.es
Leer másFechas: del 18 al 27 de octubre de 2021
Total horas curso: 12 horas / 6 sesiones on line. Las sesiones serán de 2 horas cada una de 18 h a 20 h (excepto la sesión del 19 de octubre que será de 16 a 18 h).
Precio curso: 120 € socios IAC / 140€ no socios IAC
* La celebración del curso estará supeditada a la inscripción de un número mínimo de alumnos.
MÁS INFORMACIÓN E INSCRIPCIONES: iacformacion@iac.org.es
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El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
El IAC desarrolla iniciativas con el fin de favorecer la mejora y el perfeccionamiento de nuestra red institucional dedicada al arte contemporáneo, para velar por la progresiva implantación de buenas prácticas e impulsar una nueva percepción social del arte español actual.
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2012, óleo sobre DM, 48 x 48 cm.
Proyecto, Welcome Bridge
4º obra de la serie Trincheras del Pensamiento
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Instalación | Centro Atlántico de Arte Moderno | Las Palmas de Gran Canaria | 2015
Foto: Nacho González Oramas
La galería Lucía Mendoza retoma su actividad habitual y presenta la primera exposición después del confinamiento provocado tras declararse el estado de alarma a causa de la pandemia mundial COVID-19.
Durante este tiempo nuestra programación, como la de muchos otros espacios, ha sido cancelada o aplazada. Desde la galería hemos tratado de generar contenido de forma digital para dar a conocer a nuestros artistas, tanto personalmente como por su obra.
El trabajo de los artistas, para y por los que vivimos y trabajamos, ha dejado de estar presente en nuestras salas, aunque no en nuestras vidas.
Ahora por fin ha llegado el momento de volver a abrir nuestras puertas. Lo haremos con una exposición que incluye obra de todos los artistas con los que trabajamos, Avello, Bengoechea, Bonacci, Czarnetta, Demetz, Lara, Lecuona y Hernández, Salustiano, Voigt y Yamaguchi. Porque unidos somos la demostración de que juntos, como el gran equipo que formamos, superaremos esta crítica situación y seguiremos luchando por defender el papel que el arte contemporáneo ocupa como factor clave para nuestro desarrollo como sociedad.
Para emprender este arduo camino contamos con vosotros, sois parte fundamental de este gran equipo, vuestro apoyo es la mejor ayuda. Esperamos el momento en que las galerías se vuelvan a llenar de gente -observando siempre las medidas sanitarias; el momento en que la obra de arte vuelva a su espacio, un espacio más vital que nunca, poniendo en valor la experiencia física en la galería de arte que, de ahora en adelante, aprenderá a ir de la mano de la digital.
10 artistas con A L G O Q U E D E C I R, con M U C H O que decir.
Disociado. 2006
Roble, hierro, rojo solintor, vinagre
140 x 30 x 30 cm.
Un rápido y vibrante flujo de imágenes casi inmaterial pasa por delante de nuestros ojos. Proporciona una comodidad momentánea, o al menos una distracción, pero se convierte en algo perturbador cuando cada una de esas imágenes son revisitadas en nuestra memoria. Pequeñas pero significativas huellas son añadidas de forma continua a los procesos neuronales que definen nuestra memoria. Todos ellos juntos pueden crear una repulsiva superficialidad experimentada como una masa homogénea de impresiones virtuales. Leves representaciones de materia flotan en un reino virtual sin comienzo ni final. Carentes de pasado, presente o futuro. El mundo digitalizado puede verse como un indeseado caos de unas casi idénticas entidades comportándose como partículas brownianas en un espacio casi sin límites. Esta exposición describe un entorno contemporáneo que parece especialmente hostil para aquellos que intentan crear con la pintura una impresión más duradera sobre el lienzo.
En su trabajo, Line intenta subrayar aquellos momentos de una importancia formativa para el crecimiento de una identidad singular. Los juegos intuitivos de los niños y las interacciones lúdicas son puestas en comparación con la compleja desconexión social que es a menudo parte de la madurez. Ella también se aventura en la memoria de la infancia, incluyendo la angustia y los deseos de pertenencia, pero también la lucha por una cierta independencia de carácter casi heroico. Describe la forma en que el recuerdo de un periodo especialmente frágil en tu vida siempre se ve alterado por un determinado estado de conciencia. Line intenta pintar la manera en que sentimientos de alta intensidad pueden distorsionar la misma experiencia espacio-temporal. Estos pensamientos toman forma en cautivadores lienzos en los que la abstracción formal y las referencias a la historia del arte comparten un espacio pictórico con niños que corren y con los típicos atributos de juegos como la rayuela, la comba, y la natación.
Instalación colgante de papel japonés dibujado con grafito. Medidas variables
Amparela Benlliure es doctorada en Comunicación Audiovisual y licenciada en Historia del Arte por la Universidad de València, España.
Consultora y agente cultural independiente, especializada en la gestión de proyectos artísticos contemporáneos y eventos culturales.
De 2002 a 2005 dirige la galería de arte AKKA en Valencia. De 2006 a 2010 trabaja como manager en la galería de arte contemporáneo La Nave, Valencia (España). De 2010 a 2014 se traslada a Londres donde colabora con galerías de arte contemporáneo: Open Gallery, Maddox Arts y Parasol Unit y gestiona varios proyectos de comisariado para el Institut d' estudis Baleàrics, IEB.
En 2012 funda Amparela Benlliure Art Consulting agencia dedicada a la consultoría de arte y gestión de proyectos culturales. Como consultora ha desarrollado su especialidad en el asesoramiento en ferias de arte y en la adquisición de obras de arte del mercado primario y secundario. Ha formado parte del equipo de consultores de PintaLondon, The Modern and Contemporary LatinoAmerican Art Show.
De 2016 a 2019, dirige las cuatro ediciones del evento cultural Abierto València, organizado por la Asociación de galerías de arte contemporáneo de la Comunidad Valenciana, LaVAC.
Desde 2019, desarrolla e imparte cursos de formación sobre el mercado del arte, en la Fundació General Col.lecció Martínez Guerricabeitia. Universitat de València. En 2020 codirige junto con Jorge Sebastián el Posgrado “Experto Universitario en Mercado y Gestión de Arte Contemporáneo” de la Universitat de València.
“Lenta venganza de lo inmóvil” es una exposición que reúne obras de Paula Anta, Tamara Feijoo y Ella Littwitz, tres artistas que utilizan la vegetación como metáfora de la realidad sociocultural contemporánea, como un elemento colonizador del espacio artificial construido por el ser humano.
PSJM es un equipo de creación, teoría y gestión formado por Cynthia Viera (Las Palmas G.C., 1973) y Pablo San José (Mieres, 1969). PSJM se presentan como una «marca de arte», apropiándose así de los procedimientos y estrategias del capitalismo avanzado para subvertir sus estructuras simbólicas.
El «equipo-marca» ha sido incluido entre los 100 artistas más representativos del arte político internacional en Art & Agenda: Political Art and Activism (Gestalten, Berlín, 2011). También ha sido incluido en Younger than Jesus. Artist Directory. The essential handbook to the future of art (New York: Phaidon-New Museum, 2009) y Come Together: The Rise of Cooperative Art and Design (New York: Princeton Architectural Press N.Y., 2014, entre otras publicaciones.
Sus obras están presentes en numerosas muestras internacionales como Personal Structures en el contexto de la 58ª Bienal de Venecia (2019), Beyond the Tropics, en el contexto de la 56ª Bienal de Venecia (2015), Hic et Nunc, Hirshhorn Museum, Washington D.C. (2014), One Shot!, Museu Brasileiro da Escultura, São Paulo (2014), Off Street, A Foundation, Londres (2009), The Real Royal Trip… by the Arts, PS1-MOMA, New York (2003, en colaboración con El Perro y Aitor Méndez), y otras de ámbito estatal como Prophetia, Fundación Miró, Barcelona (2015) o PIGS, Artium, Vitoria (2016).
En el ámbito teórico, cabe señalar algunas de sus últimas publicaciones: Arte y procesos democráticos (TEA, Tenerife, 2017), Fuego amigo (CENDEAC, Murcia, 2015) o el artículo «Marcuse y el lema de la CIA» en la Revista de Occidente (Madrid, 2016). Entre sus trabajos de gestión cultural se encuentran los comisariados de Sus formas, nuestro dolor (Gabinete Literario, Las Palmas GC, 2020), Tu País No Existe (Gabinete Literario, Las Palmas GC, 2019), Es personal (Gabinete Literario, Las Palmas GC, 2019), Biotopías (Gabinete Literario, Las Palmas GC, 2018), Arte y Participación Ciudadana (Las Palmas G.C., 2016) o la coordinación e imagen de World is Work, comisariada por José María Durán (Kwadrat, Berlín, 2010). Su intensa actividad se extiende a la didáctica, donde destaca su presencia como profesores invitados en la Washington State University o
los talleres de verano PSJM•Workshop en el Instituto Cervantes de Berlín (2012-2015) y en el Gabinete Literaio de Las Palmas GC (2018-2019).
Papel japonés y pigmento sobre tabla. 100x80x7 cm
Montaje de la documentación relativa al proyecto
Fotografía cortesía de Intermediae Matadero Madrid y Santi Burgos
Intermediae Matadero Madrid
2010-2011
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https://www.mataderomadrid.org/en/node/26281
http://www.rosellmeseguer.com/index.php/es/proyectos/ovni-archive.html
"Donde ocurren cosas" es una exposición colectiva que reúne obras de Jesús Zurita, Irene Sánchez Moreno, Cristina Ramírez y Simón Arrebola, artistas que trabajan en Andalucía.
El título de la muestra es un guiño a la presencia del paisaje como objeto referencial en las obras de cada uno de los artistas que la conforman, donde la naturaleza va construyendo espacios oníricos mediante la transformación, ocultación o incluso reconversión de la realidad por diferentes medios. Además, este título es también una invitación a descubrir otros protagonistas, una forma de fijar el punto de mira en un escenario artístico alejado del contexto creativo en el que se inserta la galería.
Más información: www.lagran.eu/donde-ocurren-cosas
Esta página web se ha realizado con la colaboración de la Secretaría de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte