El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
Desde su creación, en febrero de 2004, el IAC desarrolla iniciativas con el fin de favorecer la mejora y el perfeccionamiento de nuestra red institucional dedicada al arte contemporáneo, para velar por la progresiva implantación de buenas prácticas e impulsar una nueva percepción social del arte español actual.
El IAC Madrid reclama información de cifras concretas del presupuesto destinado a Bellas Artes en la Comunidad de Madrid
El 11 de noviembre tuvo lugar una sesión ordinaria del Consejo de Cultura de la Comunidad de Madrid, a la que acudió Daniel Silvo, presidente territorial del IAC en Madrid, en representación de nuestra asociación.
Madrid 11.11.2025, 16:30 h.
El Consejero de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid, Mariano de Paco Serrano, presentó los presupuestos de las distintas áreas, dando cifras de los aumentos de estas partidas presupuestarias y explicando detalladamente en cuánto se ha aumentado cada una: teatro, danza, música, etc.
En Bellas Artes, en cambio, dedicó escasos minutos a contar algunas acciones: el nuevo plan de accesibilidad en los museos y salas, Circuitos y el programa de la Sala de Arte Joven, el programa artístico en el parque de Santander, la invertsión en conservación de arte contemporáneo, almacenaje, manipulación etc. en el CA2M y se mencionó que 1 millón de personas han visitado el festival de la Hispanidad este año, retransmitido a EE.UU. Toda esta información o bien son acciones ya consolidadas, o no están relacionadas directamente con las Bellas Artes, como el caso del festival de la Hispanidad.
Todo ello, además, sin hablar de cifras económicas. En los ruegos y preguntas, nuestro delegado en Madrid hizo ver esta carencia de datos económicos concretos, siendo que en el resto de áreas se habían ofrecido con total transparencia. La respuesta fue que en Bellas Artes no se había aumentado el presupuesto este año, porque sí se había hecho el año pasado. Al preguntar por esos datos de otros años, se indicó que no se tenían a mano y que se enviarían por correo.
Carta de la MSAC en Canarias reclamando "buenas prácticas profesionales" en la iniciativa Creadores Canarios
La Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo en Canarias ha remitido un escrito a la Sociedad de Desarrollo de Santa Cruz de Tenerife para que adapte la iniciativa "Creadores Canarios con el Comercio Local” a las "buenas prácticas profesionales"
La Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo de Canarias, compuesta por: Mujeres en las Artes Visuales (MAV)
Marca Púrpura (Asociación de Mujeres Arquitectas)
ArteMisia
Instituto de Arte Contemporáneo Canarias (IACC)
Asociación Islas Canarias de Artistas Visuales (AICAV)
IAC Canarias firma un acuerdo de colaboración con el Cabildo grancanario para el fomento de la creación artística
Las Palmas de Gran Canaria, 9 de mayo de 2025.-
La Consejera de Cultura del Cabildo grancanario y presidenta del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Guacimara Medina, y el presidente de la delegación territorial de Canarias del IAC, Pedro Déniz, firmaron en la sede del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), un convenio de colaboración mediante el que se abren al asesoramiento mutuo y a la posibilidad de organizar y programar actividades conjuntas que fomenten la creatividad artística, el estudio, la difusión y protección de las artes plásticas y audiovisuales contemporáneas, así como las nuevas artes de la imagen.
De izq a dcha, Orlando Britto, director de CAAM, la Consejera de Cultura, Guacimara Medina, y Pedro Déniz, delegado territorial del IAC. Fotografía de Quique Curbelo.
Pedro Déniz, presidente del IAC Canarias, destacó la importancia de aunar esfuerzos para fomentar la internacionalizacion y visibilidad del arte contemporáneo canario, así como el respeto a las buenas prácticas, la igualdad de género y la lucha contra las políticas sexistas y de discriminación de cualquier tipo en el sector.
Éxito del I Curso de Coleccionismo y Arte Contemporáneo celebrado en Avilés
El I Curso de Coleccionismo y Arte Contemporáneo organizado por la Universidad Nebrija, el Instituto Nebrija de Artes y Humanidades y el Ayuntamiento de Avilés, con la colaboración del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y la Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo 9915, se ha celebrado con éxito durante los días 7, 8 y 9 de julio en el Palacio de Camposagrado de Avilés.
Bajo el lema "La cuestión del gusto en el arte contemporáneo" este curso ha estado dirigido por José Luis Guijarro Alonso, director del Master en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad Nebrija y Pablo Álvarez de Toledo, director del Departamento de Artes U. Nebrija y director del Instituto Nebrija de Artes y Humanidades,
Pablo Álvarez de Toledo, José Luis Guijarro Alonso, Rosario López Merás, Adríán Piera y Manuel Ángel Campa Menéndez.
El curso ha contado con la participación de galeristas, críticos, artistas, coleccionistas, comisarios y otros profesionales del arte contemporáneo y ha reunido a más de 60 alumnos procedentes de Cantabria, Barcelona, Madrid y otras comunidades autónomas españolas, además de Asturias.
El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
Desde su creación, en febrero de 2004, el IAC desarrolla iniciativas con el fin de favorecer la mejora y el perfeccionamiento de nuestra red institucional dedicada al arte contemporáneo, para velar por la progresiva implantación de buenas prácticas e impulsar una nueva percepción social del arte español actual.
"100 Recuerdos no fotografiados". Este montaje participativo está formado por 100 tintas en miniatura sobre lienzo, montados en la pared. Es un trabajo que viene realizando la artista, este último año y que parte de la proposición a otras personas, de escribir un recuerdo que le signifique de alguna manera. Es, a partir de ese recuerdo que la artista crea una obra en la cual, se relaciona lo ajeno y lo propio. En este espacio, se enfrentan la imagen y las ideas que subyacen detrás de la confidencia, la interpretación visual y la lectura del espectador. Es un mural que se ha ido enriqueciendo a medida que las personas decidieron escribir sus historias.
Un rápido y vibrante flujo de imágenes casi inmaterial pasa por delante de nuestros ojos. Proporciona una comodidad momentánea, o al menos una distracción, pero se convierte en algo perturbador cuando cada una de esas imágenes son revisitadas en nuestra memoria. Pequeñas pero significativas huellas son añadidas de forma continua a los procesos neuronales que definen nuestra memoria. Todos ellos juntos pueden crear una repulsiva superficialidad experimentada como una masa homogénea de impresiones virtuales. Leves representaciones de materia flotan en un reino virtual sin comienzo ni final. Carentes de pasado, presente o futuro. El mundo digitalizado puede verse como un indeseado caos de unas casi idénticas entidades comportándose como partículas brownianas en un espacio casi sin límites. Esta exposición describe un entorno contemporáneo que parece especialmente hostil para aquellos que intentan crear con la pintura una impresión más duradera sobre el lienzo.
En su trabajo, Line intenta subrayar aquellos momentos de una importancia formativa para el crecimiento de una identidad singular. Los juegos intuitivos de los niños y las interacciones lúdicas son puestas en comparación con la compleja desconexión social que es a menudo parte de la madurez. Ella también se aventura en la memoria de la infancia, incluyendo la angustia y los deseos de pertenencia, pero también la lucha por una cierta independencia de carácter casi heroico. Describe la forma en que el recuerdo de un periodo especialmente frágil en tu vida siempre se ve alterado por un determinado estado de conciencia. Line intenta pintar la manera en que sentimientos de alta intensidad pueden distorsionar la misma experiencia espacio-temporal. Estos pensamientos toman forma en cautivadores lienzos en los que la abstracción formal y las referencias a la historia del arte comparten un espacio pictórico con niños que corren y con los típicos atributos de juegos como la rayuela, la comba, y la natación.
Amparela Benlliure es doctorada en Comunicación Audiovisual y licenciada en Historia del Arte por la Universidad de València, España.
Consultora y agente cultural independiente, especializada en la gestión de proyectos artísticos contemporáneos y eventos culturales.
De 2002 a 2005 dirige la galería de arte AKKA en Valencia. De 2006 a 2010 trabaja como manager en la galería de arte contemporáneo La Nave, Valencia (España). De 2010 a 2014 se traslada a Londres donde colabora con galerías de arte contemporáneo: Open Gallery, Maddox Arts y Parasol Unit y gestiona varios proyectos de comisariado para el Institut d' estudis Baleàrics, IEB.
En 2012 funda Amparela Benlliure Art Consulting agencia dedicada a la consultoría de arte y gestión de proyectos culturales. Como consultora ha desarrollado su especialidad en el asesoramiento en ferias de arte y en la adquisición de obras de arte del mercado primario y secundario. Ha formado parte del equipo de consultores de PintaLondon, The Modern and Contemporary LatinoAmerican Art Show.
De 2016 a 2019, dirige las cuatro ediciones del evento cultural Abierto València, organizado por la Asociación de galerías de arte contemporáneo de la Comunidad Valenciana, LaVAC.
Desde 2019, desarrolla e imparte cursos de formación sobre el mercado del arte, en la Fundació General Col.lecció Martínez Guerricabeitia. Universitat de València. En 2020 codirige junto con Jorge Sebastián el Posgrado “Experto Universitario en Mercado y Gestión de Arte Contemporáneo” de la Universitat de València.
El mundo de un escultor es obsesivo, busca eternamente formas en la materia, es su sino. Es como mirar al cielo en busca de estrellas, es como mirar nubes; es soñar despierto.
Cuando una forma penetra en la mente de un escultor, pugna incansablemente por salir a la luz. Cuando un material es observado por los ojos de un artista, cobra una forma determinada, éste ve automáticamente el ser que lleva dentro; sólo le queda sacarlo de su encierro.
MA presenta una colectiva de diecisiete artistas que trabajan maravillados en busca de esa forma que han visto en este material.
No podemos, en una primera exposición de escultura contemporánea, pretender mostrar la infinidad de recursos con que el artista se vale para llegar a su cometido; necesitamos un punto de partida y ese ha sido, llevados por la emoción, el primero.
Sí, hablo de emoción; porque sin emoción no podemos seleccionar a unos artistas sí y a otros no. Mi recorrido visual sobre las piezas que se exponen ha acariciado cada una de ellas y me han tocado el alma, así de simple.
La técnica es algo que viene después, la observación de la calidad de cada obra me ha dado la respuesta definitiva. Nos encontramos pues con una exposición sin hilo conductor temático; podríamos decir que se trata de pulsaciones. Precisamente lo que se ha buscado es una parte de esta multidisciplinariedad con que se vale el artista actual; es como si a una orquesta se le suman nuevos instrumentos.
Nuevos instrumentos y nuevos materiales; propuestas que incluyen la joyería de autor, tratada como verdadera obra artística portable.
Lo que es llamado concepto, aquí aflora sin necesidad de explicación. Podríamos buscar uno, pero la verdad, mentiríamos. La belleza de estas piezas se encuentra en lo que al espectador le entra directamente por la retina, esta “forma” se convertirá, según la percepción y cultura de cada uno en una forma que le hablará de otros mundos, esos mundos imaginarios que siempre habitan las mentes de los artistas.
Únicamente les queda pues, disfrutar de la palpitación de cada una de estas “formas” que han surgido de algunos “materiales”. Por supuesto que habrá más.
TORMENTA DE SILENCIO EXPOSICIÓN DE REALIDAD VIRTUAL. URGEL 3, MADRID, 2015 / 2016.
Descripción
Damià emplea la realidad virtual para explorar los límites difusos entre obra de arte, exposición y documentación con una tecnología que abre además un camino muy interesante para la sostenibilidad de grandes intervenciones temporales y permanentes. Una exposición realizada en un espacio industrial deteriorado, ahora no accesible, pero que sigue siendo visitado como espacio de muestra de arte digital. De nuevo, experimentando con nuevos materiales y tecnologías en su proceso creativo, Damià amplía su paleta y ofrece nuevas perspectivas.
"Donde ocurren cosas" en La Gran hasta el 14 de enero de 2017
Descripción
"Donde ocurren cosas" es una exposición colectiva que reúne obras de Jesús Zurita, Irene Sánchez Moreno, Cristina Ramírez y Simón Arrebola, artistas que trabajan en Andalucía.
El título de la muestra es un guiño a la presencia del paisaje como objeto referencial en las obras de cada uno de los artistas que la conforman, donde la naturaleza va construyendo espacios oníricos mediante la transformación, ocultación o incluso reconversión de la realidad por diferentes medios. Además, este título es también una invitación a descubrir otros protagonistas, una forma de fijar el punto de mira en un escenario artístico alejado del contexto creativo en el que se inserta la galería.
