La Galería Pilar Serra participa en la Feria Estampa 2019

Paula Anta tiene una extensa obra, a pesar de su juventud, en torno a la naturaleza, que se expresa a través de la fotografía, la instalación y la performance. En el stand presentamos una fotografía de gran formato que pertenece a su último trabajo Nudos: topologías de la memoria, un proyecto realizado para el Centro de Arte de Alcobendas, que se ha expuesto de mayo a agosto de 2018. Una serie de fotografías de cúmulos vegetales que tras una apariencia caótica y aleatoria, descubren la existencia de un orden universal.  La luz genera visiones que cambian según el contexto y  el momento del día y que sin duda son de una gran fuerza y representan un punto de inflexión en su carrera.   
 
Miguel Aguirre, artista peruano, su pintura tiene como fundamento el análisis de acontecimientos referidos a la historia universal reciente o a hechos que por su trascendencia han causado  impacto  en la memoria de los ciudadanos.  En esta ocasión presentamos una serie pictórica compuesta de 14 óleos sobre papel, titulada Perú  1983-1992 que se basa en acontecimientos con una profunda carga histórica. Aguirre ha utilizado fragmentos de cinco películas peruanas que representan de manera cruda y directa la guerra interna que se vivió en el país durante la década de los 80 a principios de los 90 en que la fuerzas armadas y policiales se enfrentaron a Sendero Luminoso y al Movimiento Revolucionario Tupac Amaro, pero fue la población civil la víctima mayoritaria de esta confrontación.  Más de 70.000 personas murieron. 
 
José Manuel Ballester, pintor, fotógrafo, escultor, suele captar tanto interiores como exteriores, sometidos, compositiva, atmosférica y cromáticamente a un proceso de enfriamiento de la realidad, un minimalismo poético tanto en su obra pictórica como fotográfica. Su obra es extensa y ha realizado múltiples exposiciones, una de las últimas ha tenido lugar en Casa de América, en mayo, llevó por título Fervor do Brasil y en ella se mostraba el trabajo realizado a lo largo de 12 años en los que el artista ha fotografiado grandes ciudades brasileñas como Sao Paulo, Río, Brasilia y recientemente  Salvador de Bahía, presentando una mirada diferente, carente de tópicos, dando a conocer un Brasil más poético, incidiendo en la mejor arquitectura brasileña.   En la feria mostraremos alguna de esas fotografías.                    Joan Fontcuberta, artista muy reconocido, ha escogido la fotografía como forma específica de experiencia poniendo a prueba su capacidad para atrapar la verdad y la memoria, pero se interesa también por el metabolismo que transforma el cuerpo de la imagen, y en los últimos años, acude a los archivos y colecciones a la búsqueda de imágenes en estado traumático.  Es así como brota la serie Trauma : fotografías que sufren algún tipo de trastorno que perturba su función de documento: Trauma representa un homenaje y una despedida.  Al igual que algunas plantas tan sólo producen la floración antes de morir, muchas fotografías, únicamente en sus últimas instancias son capaces de ofrecernos su belleza más terrible.  Y esto es lo que recoge Fontcuberta con estas obras en las que está trabajando. 
 
Edgar Martins, nacido en Portugal, creció en Macao y se trasladó al Reino Unido, donde reside actualmente.  Fue seleccionado para representar a Macao (China) en la 54 edición de la Bienal de Venecia. En Estampa tendremos algunas fotos de la serie This is not a house (2008), proyecto que realizó en USA a instancias del New York Times magazine, y que documenta el colapso del mercado inmobiliario americano, un tema que refleja unas lamentables ruinas contemporáneas, no exentas de belleza, con las que el artista crea dramáticas, poéticas y en algunos caso teatrales composiciones.  Este proyecto se produjo a lo largo de ocho estados, donde indagó y encontró lugares donde el impacto de la crisis dejó una huella que trasladó a imágenes de una inquietante mezcla de realismo y ficción. 
 
Eduardo Nave, fotógrafo que ha realizado numerosas series en las que capta imágenes de ambientes en los que se percibe la huella y el recuerdo de un pasado, a veces la quietud de un paisaje encubre la desolación de un acontecimiento bélico, como en las series Les rivages du debarquement  y Mulberry harbour, que realizó en Normandía durante su estancia de varios meses en París tras obtener la beca de la Fundación Botín en 2005,  en las que la belleza de las playas solitarias no nos impide recordar la realidad de un paisaje de dolor y muerte.  Este año, en junio y dentro del festival Photoespaña, Nave ha expuesto varias fotografías de la serie junto a un reciente trabajo en los mismos lugares, pero utilizando nuevas tecnologías, como drones o cámaras sumergibles, que han supuesto unas imágenes diferentes en un momento que se conmemora el 75 aniversario del desembarco de Normandía, y que presentamos en nuestro stand. 
 
Amparo Sard, que expuso por primera vez en la galería en el mes de mayo,  es una artista que ha mostrado en su trayectoria intereses muy diversos: matemáticas, física, música, filosofía.  Su obra es multidisciplinar, hermosa, obsesiva a veces, inquietante.  Su técnica es muy especial, dibujos sin tinta, papel blanco perforado con finísimas agujas de varios tamaños.  La continua experimentación con materiales como el poliuretano, la fibra de vidrio, la fotografía y el vídeo le permiten la expansión de su obra a gran escala. En sus imágenes, muchas de ellas autorretratos, una imagen inicial es deformada, para dar una sensación algo inquietante. Sard es doctora en BBAA en la Universidad de Barcelona, Master of Art Media Studies por la New School University de New York y ha sido galardonada con la Medalla de Oro del gobierno italiano y elegida una de las mejores artistas del mundo en el año 2018 por la LXRY list de Holanda. 
 
Daniel Verbis, artista habitual en nuestro stand,  expuso en la galería una excelente muestra a la que puso el título de Cross-Dressing, pinturas, dibujos, collage, en los que el tejido cobra especial relevancia, según Verbis cuando unas cosas se hacen pasar por otras, se está  materializando lo inexplicable, o lo que es lo mismo, se está demostrando que nada es fijo, que el significado de las obras, por más que se intente, no está sujeto al estricto mandato de la razón y que el sentido es fluido, alterable, mutable, que se dice lo que se hace, pero que otras veces no se hace lo que se dice.  El título de la muestra aludía a saber situarnos en el lugar del otro, hacer cross-dressing para despojarnos de los prejuicios de la razón y de los despropósitos de la sinrazón.  Mostramos una tela de gran formato Como oro en paño una disquisición del cuadro de Tiziano Danae recibiendo la lluvia de oro, acrílico sobre lienzo y objetos de madera. 
 
Paul Winstanley, es un pintor que utiliza los géneros tradicionales de paisaje, interior, naturalezas muertas, figuras, para crear obras de rigor conceptual desarrollando una relación entre el espectador y la pintura como elemento central del contenido de la pieza. En 2018 tuvimos una exposición de este artista del que mostramos pinturas, acuarelas y grabados de la serie Art School que realizó en 2012 tras recorrer las escuelas de arte de Inglaterra, Escocia y Gales durante el verano ya que buscaba espacios vacíos.  Las pinturas surgen de las fotografías pero no representan fielmente interiores “reales”, la fidelidad a lo real no interesa al artista que a veces mezcla material de distintas fotografías.  Utiliza la luz creando unos interiores singulares, ideas pictóricas.  En el stand podremos contemplar una bella acuarela.