Shining by Absence. Galería NoguerasBlanchard
La exposición colectiva Shining by Absence (Brillando por ausencia) gira en torno a una de las obras más importantes de Robert Barry All the things I know but of which I am not at the moment thinking - 1.36pm, June 15, 1969 (Todo aquello que conozco pero en lo que ahora no estoy pensando – 1.36pm, 15 de junio, 1969). Los siete artistas, aludiendo a este conocido statement, tratan el tema de la ausencia transformando este concepto en algo poético e irónico mediante instalaciones, pinturas y objetos.
Brillando por ausencia viene a significar una ‘ausencia presente’. La obra de Robert Barry remite a esta idea, a momentos precisos que apenas son perceptibles como los pensamientos, que van y vienen. Siendo uno de los artistas más relevantes del conceptualismo ameriacano, abogó por desechar la idea clásica de ‘obra de arte’, defendiendo las obras que crean relaciones y reflexiones fuera de la propia obra. Para Robert Barry el sentido ya no proviene del objeto sino de la experiencia que se obtiene. Así, la obra de arte se reduce a conceptos mentales ya que la construcción de la misma es algo mental. De este modo, muchas de sus obras sugieren un espacio invisible que va más allá del espacio físico, del material. Los artistas que conforman la exposición referencian la obra de Robert Barry, describiendo objetos o fenómenos que no son visibles a primera vista, evocando en su trabajo cierta tensión entre lo objetual y lo inmaterial. En el proceso revelan una mirada a lo periférico, lo efímero y lo latente, donde el lenguaje deviene el elemento central. Las piezas de texto y objetos que presentan articulan un proceso atento de pensamientos o conceptos, produciendo un encuentro frágil y etéreo que relaciona la experiencia del especatador con algo espiritual. Según Michael Fried este momento tiene resonancias religiosas; Presentness is grace[1] (El estar presente es una gracia). Cada uno de los siete artistas trata una temporalidad donde lo efímero perdura en el espacio o en ilusiones no expresadas.
Robert Barry (New York, EEUU, 1936) Junto con Dan Graham, Douglas Huebler, Joseph Kosuth o Lawrence Weiner, pertenece a la generación de artistas conceptuales estadounidenses de mediados de los sesenta. Barry ya mostraba una intransigencia extrema en 1967 al conducir su trabajo al límite de lo inmaterial y lo invisible. A comienzos de los 70, el artista comenzó a trabajar casi exclusivamente con el lenguaje como expresión artística. En el proceso, Barry defiende que los conceptos liberados de su contexto sintáctico no constituyen arte por si mismos sino que se refieren a conceptos de continuidad ilimitada comunicados a través del lenguaje. Uno de estos conceptos es la exploración de experiencias espaciales y dimensiones, que Barry confiere en forma de “espacios entre palabras” –como wall pieces, floor pieces o window pieces (obras de pared, suelo o ventana)-. Para esta exposición Barry ha diseñado un window piece específico para la puerta de entrada y ventanas.
Becky Beasley (Portsmouth, Reino Unido, 1975) Su trabajo se desarrolla entre la fotografía y la escultura. En el proceso la artista examina la relación entre objetos y su reproducción física en la fotografía. La artista busca regularmente en su trabajo una resistencia al lenguaje. Por ejemplo, la escultura de pared expuesta Figure + Letter (A-E), 2008 es una serie de objetos geométricos sobre la pared construidos sobre la base del título “Figure + Letter A” a “E”. La escultura consiste en cinco estanterías colgantes de nogal americano. Cada objeto reposa sobre un listón de madera de 90 cm dividido en dos o tres partes y equipado con bisagras metálicas. El principio casi en serie yla inversión de las letras apelan al espectador como una forma indescifrable. Es a través de una mirada atenta, a través de los huecos y espacios, buscando conexiones, formas y asociaciones para participar en una deconstrucción radical, estas siluetas brillan como estructuras narrativas donde ésta surge a través de una elocuencia silenciosa y casi hermética.
Ulla von Brandenburg (Karlsruhe, Alemania, 1974) Trabaja con múltiples registros como vídeo, ilustración, instalación y performance. La artista desarrolla una práctica diversa inspirada en la iconografía histórica de finales del siglo XIX. En sus películas la artista se inspira en el Tableau Vivant. Paradójicamente, estilo y movimiento se invierten: la imagen congelada del Tableau Vivant queda arraigada en la experiencia temporal del vídeo. La película de 16 mm filmada en blanco y negro Geist, 2007, muestra la imagen distorsionada de una entidad envuelta en una sábana blanca, la entidad parece ser un espíritu.
Anne-Lise Coste (Marsella, Francia, 1973) Conocida por su propuesta radical, el potencial creativo de su arte se articula en el gesto espontáneo de lo que expresa, escribe o pinta. Coste se opone a la estandarización del arte y de forma irreverente señala en su obra la fugacidad del momento. El dibujo ddddd, 2009 recuerda a una partitura (musical) –una compilación estricta (composición) de la letra d-. Además del medio contextual, la artista emplea el guión como codigo visual en su planteamiento de cuestiones filosófico-existenciales, una forma juguetona y desenfadada de lanzar mensajes emocionales al mundo y de desahogar su rebeldía contra las condiciones políticas actuales.
Raphael Danke (Aquisgrán, Alemania, 1972) Los collage del artista nos hablan de lo ausente y lo efímero. Danke selecciona imágenes de periódicos o revistas y recortando figuras humanas las hace desaparecer mientras sobrepone otros elementos variados. Los colores y elementos superficiales que quedan crean una nueva composición que resulta surreal. Los cinco collage en blanco y negro que forman parte de esta exposición pertenecen a una serie de trabajos, cada uno recibe el nombre de un angel caido. La bailarina Margot Fonteyn poso como modelo para estas imágenes. Las indefensas bailarinas sin rostro en las composiciones reflejan una perdida de lo físico. Privadas de su gravedad, recuerdan un cisne desvanecido que desparece lentamente.
Aloïs Godinat (Lausana, Suiza, 1978) Las instalaciones espaciales, objetos y wall pieces de Aloïs Godinat son creadas frecuentemente in situ, basándose en estrategias de apropiación. Su intención es reflejar de forma simbólica representaciones de insurrecciones. Así la obra Déchirure denota un acto de carácter violento al romper el material encontrado. Godinat intenta mirar la imagen de nuevo a través de la fragmentación y examinando imágenes convencionales utilizando también elementos sonoros. Con Untitled (2005-08) transfiere este principio al campo auditivo. Se escucha el sonido de un tambor a través del altavoz, que queda cortado por un stop abrupto. Los golpes rítmicos incrementan en intensidad, volumen y frecuencia para ser interrumpidos justo antes del esperado climax. La tension vuelve a construirse. El espectador, o el oyente en este caso, participa en un dialogo de realización y no-realización, de presencia y ausencia.
Annette Ruenzler (Speyer, Alemania, 1968) En su obra Wrong Idea, Try Again, 2008, a modo de wallpaper, un dibujo cae de la pared. Los diseños geométricos que se dibujan sobre papel están inspirados en objetos domésticos, junto al dibujo un texto poético, el mismo que da nombre a la pieza, queda recortado otorgando un cierto aire misterioso, casi fantasmal que abruma la ligereza en la parte inferior del papel que se curva. Los objetos extraños remiten al surrealismo. Los trabajos de esta artista presentan una especie de encuentro entre realismo concreto (tangible y visible) y un realismo mágico (alucinaciones, sueños) creando asi una “tercera realidad” –una sintesis de las realidades a las que estamos acostumbrados-.
La galería agradece la colaboración de Office Baroque Gallery, Amberes; Galerie Johanna Kamm, Berlín; Galerie Sandra Bürgel, Berlín; Sorcha Dallas Gallery, Glasgow; Art: Concept, París; Galerie Francesca Pia, Zurich.
Para información específica, CV, entrevistas con los artista e imágenes, contactar con Zaida Trallero en el tel. 93 342 5721 o en zaida@noguerasblanchard.com
[1] Michael Fried, Art & Objecthood, The University of Chicago Press, 1998, p. 168
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