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Propuesta de Pilar Serra en ESTAMPA 2018

 

Marc Desgrandchamps (Sallanches, Francia), actualmente vive y trabaja en Lyon. Pintor con una obra muy sugerente, que se basa en el juego de contrarios, en la que no hay nada completamente puro, sino que al elaborar un concepto, surge invariablemente su opuesto. Una pintura llena de referencias personales, con la figura femenina como protagonista en muchos casos, una pintura fluida con finas capas transparentes, líquidas; imágenes influidas por el cine, aun cuando su trabajo es siempre profundamente pictórico. Entre sus numerosas exposiciones destacamos : Museo de Arte Contemporáneo de Estrasburgo, Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, Kunstmuseum de Bonn, Centro Pompidou de París, Museo de Arte Moderno de la Villa de París, Musée de Beaux Arts de Caen, etc.

Linarejos Moreno (Madrid, 1974) que ha trasladado su residencia de Houston a Madrid, realiza una obra en la que tiene especial importancia la arquitectura, casi siempre en ruinas, entendida como registro de lo acontecido, como testimonio de una memoria experimentada. Sus obras tienden a relacionar arte y ciencia, y en esta ocasión presentamos una instalación, fotografía sobre arpillera, de la serie La cámara de niebla que se expuso en el Centro de Arte de Alcobendas en enero, un trabajo que pone en relación el trabajo teórico de Kandinsky y el científico escocés C.T.R. Wilson, que coincidieron en el tiempo, en 1911 apareció el primer texto de Kandinsky De lo espiritual en el arte, con el que inicia el camino a la abstracción y es también el año en que Wilson realizó su primera cámara de niebla, un aparato capaz de hacer visibles los recién descubiertos Rayos Cósmicos, curiosamente ambos se centrarían en explorar la representación de puntos y líneas sobre planos.

Adrián Navarro (Boston, 1973) residente en Londres durante varios años, vuelve a Madrid y presenta una nueva vertiente de su trabajo, nuevas pinturas que ya no son sus características Esferas pero siguen poseyendo un vocabulario de lo visual en que se reconoce la forma constructiva propia del lenguaje arquitectónico, son pinturas que exploran la dualidad de la forma y la materia, como sustancia orgánica y de color. Sus juegos de perspectiva nos llevan a un mundo en que se potencia la visión de lejos, reafirmando la condición ilusoria de la pintura. En esta ocasión mostraremos en la feria un cuadro de gran formato, en que el color aparece apenas entrevisto entre una celosía de pequeñas esferas, Navarro emprende un nuevo camino lleno de sutilezas tras unos meses de intenso trabajo, en un momento de madurez creativa incuestionable.

Eduardo Nave (Valencia, 1977) comenzó realizando reportajes fotográficos de grupos sociales discapacitados y marginados, con un tono e intención de fuerte compromiso. Ha dedicado algunas series a captar imágenes de paisajes y ambientes en los que se percibe la huella y el recuerdo de un pasado, a veces un suceso bélico, o un atentado, un incendio, lugares que mantienen una memoria de acontecimientosdolorosos, fotos enigmáticas e inquietantes. En esta ocasión mostramos una fotografía que procede de la exposición que tuvo lugar en el Centro de Arte de Alcobendas, titulada LIKE, que fue el resultado de una investigación de 14 años durante los que fue fotografiando diversos lugares repartidos por todo el mundo, en busca de un lugar inexplorado, en que el paso del turista aún no se hubiera producido. Se trata de una reflexión sobre el viaje, si es que aún es posible experimentar la emoción del descubrimiento o ya todo está inevitablemente contaminado y el viajero se ha convertido en un simple recolector de selfies con la única intención de obtener el reconocimiento del like en las redes sociales.

Julian Opie (Londres, 1958) su formación está muy ligada a Oxford, finalizó sus estudios en el prestigioso Goldmiths College. Pronto entró en contacto con el mundo del arte, y su gran pasión desde los once años era dibujar. Se ha dedicado a los paisajes urbanos y rurales, así como a la figura humana en movimiento, así como a los retratos, de hecho se le considera el representante actual del retrato moderno.
Sus obras se han realizado en numerosos y variados soportes, incluyendo serigrafías, vídeos, LED, pantalla líquida, lenticulares, en una incesante búsqueda por integrar la práctica artística tradicional y las nuevas tecnologías. En nuestro stand podrá verse uno de sus últimos trabajos, una pieza que representa una cabeza, de un conjunto formado por cuatro obras titulado Stone Heads , realizada en bronce. Su obra figura en museos de todo el mundo, como la TATE, British Museum, National Portrait Gallery, Stedelijk Museum de Amsterdam, MOMA, Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, etc.

Mar Sáez (Murcia, 1983) empezó profesionalmente trabajando como periodista, fotógrafa freelance y gestora cultural. Su mirada a la hora de desarrollar su carrera artística va hacia las cuestiones sociales, antropológicas, y suele preferir investigar acerca del ser humano, descubrir la verdad a través del rostro. En la temporada pasada presentamos en Estampa una serie que ha tenido mucha repercusión tanto entre el público como entre los críticos de arte, es Vera y Victoria, un proyecto al que ha dedicado gran parte de los últimos cuatro años, y que refleja la cotidianeidad de una pareja joven, que vive una intensa historia de amor libremente, sin prejuicios, una de ellas es transexual, vegetariana, licenciada en Clásicas, y la otra, más joven, con trabajos esporádicos, es bisexual, su historia es igual a la de tantas parejas de veinteañeros y este trabajo, en blanco y negro, es de una belleza de imágenes que trascienden el interés puramente periodístico o documental. En esta ocasión mostramos varias fotografías de su último y reciente proyecto, A los que viajan, que ha sido el resultado de los innumerables viajes en coche compartidos que ha realizado la artista, que le ha llevado a escuchar muchas historias, vivencias, problemas, confidencias, que al final se parecen mucho entre sí y que reflejan la incertidumbre, la dificultad que entraña la vida y que se ha convertido en “ un homenaje a los que viajan y, sobre todo, a los que sienten” en palabras de Mar Sáez.

Rainer Splitt nació en Celle (Alemania). Amplió estudios en Nimes y en Nueva York, actualmente reside en Berlín. Su obra tiene un fuerte compromiso con el color, sus obras no sabemos muy bien si identificarlas como pinturas o esculturas, quizá podríamos hablar de esculturas pintadas. Comienza sus pinturas vertidas en 1990, manchas de color, mezcla de pintura y emulsiones sintéticas que derramadas sobre una superficie emergen como intensas formas de una gran luminosidad, que parecen estar aún en estado líquido. Sus papeles están impregnados de pintura y plegados de forma que nos sugieren escenarios o cajas de papel que han sido dobladas y desdobladas para acoger pintura y luego son vaciadas. Uno de ellos estará colgado en el stand, junto a una pieza en el suelo, que podría parecer el resultado casual de un proceso de vertido, pero el artista ha estudiado las cualidades del líquido, su potencial para extenderse y el gradual proceso de secado, cuestionándose la relación con el espacio y con la materia, la línea, el color, en este caso el espacio del stand. Su obra es relacionada por los críticos con el minimalismo americano pero renovando y reinterpretando su trabajo de una forma muy personal y precisa.